钢琴音乐是一门技巧性很强的艺术，它的弹奏技术到今天为止，已发展到了极为丰富的地步。要掌握钢琴体面且全面的演奏技巧，需要付出艰苦的努力。著名钢琴演奏家刘诗昆曾非常形象地把弹奏技术比喻为大楼的地基。但是我们应当明确，掌握了精湛的技术才能将音乐表现的更完美，而只有从音乐的内容出发才能使技术的训练有目的、有方向。技术与内容是相辅相成、相互促进的辨证统一关系。教学中，应两者并重，不应偏重一方而忽视另一方。
当学生开始接触一首新作品时，首先应让他了解作品表现的内容、意境，作品的性质，作曲家的创作风格．．．．．．这样才能使学生从一开始就以音乐内容的要求为出发点，决定触键方法、音色的处理、技术难点的解决等等，从而避免学生盲目的练琴，逐步达到演奏技术与音乐内容的完美统一。在教学中，单纯的要求技术或让学生“弹熟后再谈音乐”的做法都是不可取的。
在师范院校音乐专业以及业余学琴的人们中，常有一些音乐天赋一般甚至较差的学生，应该以怎样的态度对待他们呢？大家都知道，音乐感觉并不是完全与生俱来的，通过后天的培养熏陶是完全可以得到发展和加强的。因此, 对那些音乐天赋一般的学生, 教师不能放松甚至放弃对他们的要求，而是应该想方设法地引导、启发他们的音乐想象力，从而逐步提高他们对音乐的理解力与表现力。
教师在教学中培养学生的音乐表现力, 可着重从以下几方面入手：
一 要重视学生的听觉训练
音乐是声音的艺术，又被称为听觉艺术，音乐的存在是因为人类具有听觉的感知。让音乐通过听觉浸润心灵，才可能使心灵迸发出创造性的音乐，这才是学习音乐的正确途径。听觉训练是指对学生接受声音、分辨声音能力的训练。弹奏音乐作品时对听觉的要求主要强调的是对音量、音色，以及曲调感、节奏感和多声部音乐感等等的追求。听觉的训练对于学生的音乐学习有着重要的意义。
听觉训练的主要内容之一就是首先要求学生会“聆听”自己的琴声。所谓“聆听”，并不是一般地听，而是精神高度集中地用心去听，听时要充满对音乐的追求与想象，努力分辨自己弹琴的声音音色是否符合音乐内容的要求。学生在弹琴中出现的种种问题，很多都是由于没有“用耳朵练琴”，没有仔细聆听自己弹奏的声音。
有些学生在练琴时虽然听到了自己的声音，但不会给自己找毛病，不会分辨那些声音是好听的，符合音乐要求的；哪些声音是难听的，不符合音乐内容的。甚至，有些学生练琴时手指是在下意识的弹奏，而思想已经开了小差。针对这些情况，教师应该有意识地培养学生“听”的习惯，要让他们的耳朵充分发挥作用，成为练琴时的“老师”。还要让学生明白，如果总是依赖教师或家长来给自己找毛病，是永远弹不好琴的。只有学会了“用耳朵练琴”，才能极大地增强学习的主动性、积极性，从而提高练琴的效率和质量。
弹错音是学生的“常见病”，除了读谱不仔细以外，更主要的原因就是没注意“听”。因此当学生出现错音时，不仅要让他们重新读谱，还要让他们将正确的与错误的音响效果对比来仔细听，养成用耳朵分辨音乐对错的习惯。
弹奏音色的好坏决定了弹奏的质量，在教学中要多启发学生聆听自己弹奏的“音色”，使学生一边弹奏一边就能感觉到哪些声音是与作品的内容相吻合的，哪些声音破坏了乐曲原有的意境，是不符合要求的。这样学生就会逐渐对声音产生追求与想象，而不仅仅满足于把音符弹出来。无论是弹奏歌唱性强的抒情乐曲还是弹奏钢琴练习曲，都要注意它们在音色上的不同要求。音色与触键方法是紧密联系在一起的，因此通过听“音质”来检查弹奏方法是否正确，是个很好的办法。即使是在学生初学断奏时，每弹一个音都应该对声音的音色有要求。只有正确的方法才能弹出悦耳的声音。因此，对音色仔细地进行听辩，就能发现弹奏方法上的很多问题。
此外, 还应该让学生多欣赏一些经典的音乐作品。不仅要听钢琴音乐，还要涉及到优秀的声乐、器乐作品，并对歌剧、交响乐等音乐形式有所了解。从广博的音乐世界里汲取营养、开阔视野、提高素养，这样才能增强对音乐的感受力。我们在教学中应该有过这样的经历：如果教学生一首他曾经听过的乐曲，那么他对音乐的领悟就会快得多，教学也会变得较为顺利。因此, 应该鼓励学生抓住一切机会欣赏音乐, 尤其要多听名家的演奏。听后可让学生谈谈自己的感受，大胆地进行评论，并与老师或其他人交流。这也是加强听觉训练和提高音乐表现力的有效方法。德国钢琴教育家齐格勒主张，在钢琴教育上要养成“以心聆听”的习惯，以及不必急于进行演奏技巧上的学习，而更重要的是要“意识到声音”。齐格勒认为许多富有才华的演奏家学习钢琴演奏的秘诀绝对不是只靠手指的技巧练习，而是借“以心聆听”，从而自己弹出声音，并具备了如何调节演奏效果的能力。因此，培养学生的听觉一定要帮助他们去发掘和注意倾听自己内心的声音。以内心的音乐，先于手指动作产生，并生动地记在心里。
二 引导学生精心研读乐谱
我国著名钢琴教育家朱工一曾说过：“精心研究乐谱是窥探作者内心奥秘的重要途径”。正确地掌握所弹奏的乐谱是弹好一首作品的基础，精心地研读乐谱能使我们深入地理解作曲家特有的音乐语言，从而对作品做出正确的解释。正如前苏联钢琴教育家涅高兹提出的“应该弹得严格而又富于表情——严格也正是表现丰富的标志”。这里所说的“严格”的含义就是要求演奏者忠实于作品、忠实于音乐内容，而这些都要以忠实于乐谱为前提。尤其是现在我们已不大可能听到大部分作曲家对自己作品的演奏或讲解的情况下，研读乐谱是我们理解和表现作品内容的主要途径。
重视乐谱上的一切标记是研读乐谱的基本要求。有些学生只看见了音符，而对其他各种标记却“视而不见”，这是非常不好的。完全忠实于乐谱，就必须毫不遗漏地注意到乐谱上的一切标记，然后恰当地把它们表现出来。其中包括音符、节拍、指法、句法、奏法、休止符、延长记号、重音记号、力度记号、速度记号、表情记号、调性变化、曲式结构等等一系列的内容。
在认真研读乐谱的基础上，我们还可以进行“再创造”。钢琴演奏大师鲁宾斯坦曾这样说“首先要确切的按乐谱演奏，如果你已经如实的做到这一点，却仍感到需要进行增添或改变的话，你可以这样做。”但这里必须强调一点：是要在完全如实地按照乐谱所写的弹奏以后进行。这样我们就可以理解为什么不同的演奏家在不同的地点演奏同一部作品会有不同的解释，而非千篇一律了。另外,一部作品的乐谱可能有几种不同的版本,都是可以借鉴和参考的。但应该以便于弹奏和符合作品的音乐风格为出发点。
可以说，引导学生精心研读乐谱，是掌握作品风格的重要途径，它有助于大幅度地提高学生的音乐思维能力和表现能力。
三、启发学生用内心的歌唱带动旋律的弹奏，并让学生掌握良好的触键方法
音乐来源于生活，音乐语言是人们生活中多种情感的升华，音乐是通过自己独特的语言来反映现实生活的。钢琴是乐器之王，具有音域宽广、音色丰富的特点，它所表现的音乐语言就更丰富、更具感染力。旋律在音乐语言中是最具感染力的，是音乐的灵魂。如何才能让学生运用“乐器之王”弹奏出优美动人的、触动灵魂的旋律呢？
歌唱最能直接表达人的情感，弦乐器在这方面也占有一定的优势。而钢琴是键盘乐器、击弦乐器，要在钢琴上把旋律弹奏的富于歌唱性不是一件容易的事，需下一番功夫。可以说，一个内心没有歌唱感的人在钢琴上是不可能弹好歌唱性旋律的。通俗一点说，钢琴上的旋律也就是运用钢琴来进行“歌唱”，因此，启发学生用内心的歌唱去带动旋律的弹奏是非常重要的。
一段旋律，只有你对它有了发自内心的感受时，才能在弹奏中追求正确的音色，才能把它弹得有语气、有表情，在学生的初学阶段可以选用一些他们熟悉的、喜欢的乐曲，让他们先唱后弹或边唱边弹，这样他们内心的歌唱感就会在弹奏中逐渐得到加强。
弹好歌唱性的旋律，还必须让学生在弹奏方法上下工夫。要想弹奏出好的旋律就需要掌握适当的触键方法，这是弹出优美旋律的必要条件。
首先，要让学生弹好连音，连奏是弹好歌唱性旋律的基础。弹奏歌唱性旋律要用深而慢的触键方法，和弹奏颗粒性较强的乐曲要有所区别。特别要注意肩、臂、腕等部位的放松，使手臂的重量自然地输送到指尖。手腕必须柔韧、能够上下左右自如地活动。手型可稍微放平些，用指尖后面的肉垫部分触键，手指基本上是贴着琴键移动，重心从一个手指自然地移动到另一个手指上，用这种方法就比较容易弹奏出流畅自然、富于歌唱性的旋律。在一个连奏的乐句中，如果其中各音所用的触键方式各不相同，那么，这个乐句的连贯就会受到重大影响。
其次，要让学生学会分析乐句。音乐的语言和生活的语言是息息相通的，像说话一样。每个乐句都有它的语气、走向及核心音。常见有些乐句的音乐走向是枣核型的；有些乐句是向上走的，需要渐强；反之，则需要渐弱。当然还有很多具有特殊语气和情绪的乐句，需要用不同的方法去处理。
再者，处理好旋律与伴奏织体的关系也是保证旋律优美如歌的重要条件。除了要把旋律本身弹好外，还要重视和声、伴奏织体等对旋律的烘托作用。旋律和伴奏的关系就如同是船和水的关系一样，“水”始终是托着“船”向前运行的，而不应该把“船”淹没了。此外还要注意旋律的横向进行，这要求句子的气息相对要长一些，弹奏旋律时不要受左手伴奏音型的影响，把旋律弹成一小节一个重音、甚至是一拍一个重音。而应该尽量减少这种重音的出现，增强乐曲的韵律感。
另外，要弹好歌唱性的旋律，还需要踏板很好地配合，在此这一点是很重要的。但踏板的运用是个复杂而又系统的问题，不属于本文的主要论述内容，在此不再赘述。
四 要求学生用正确的节奏和速度进行弹奏
节奏是音乐的脉搏。平常说的“拍子”是节拍而不是节奏，“节奏”和“节拍”是既有联系又有区别的两个概念。节拍是在乐谱上固定的东西，表示音乐基本的强弱关系，用小节来划分，比如2/4、3/4分别表示“强弱”、“强弱弱”等等。而节奏与人的生活、行为、动作、情感有更密切的联系，更富于韵律感，是需要用心灵去捕捉的。
一首作品往往通过一种特定的节奏韵律来表现它的性质和风格，如舞曲、摇篮曲、夜曲、船歌等等，它们都是各有特色的，需要用心去琢磨体会、反复练习，才能掌握好乐曲的律动，才能使其更具生命力。在教学中，要善于抓住学生熟悉的事物，启发他们的形象思维，从而在弹奏中表现出作品特有的节奏韵律和特色。
所有的音乐作品，除了它们特有的节奏韵律外，还要凭借不同的速度来表现它们不同的性质和风格。而用什么样的速度去弹奏乐曲呢？这既要尊重乐谱本身的要求，还要根据乐曲的性质来确定。
一般来说，欢快的情绪不可能采用缓慢的速度去表现，而悲伤的乐曲也不宜快速弹奏。进行曲、圆舞曲等体裁也都有它们各自特有的速度。不同的人在演奏同一首乐曲时，很可能采用不完全相同的速度，这是允许的，但应以符合乐曲的要求为前提。一首乐曲被某人弹成快板，而又被另一个人弹成慢板的情况是较为罕见的。有些作品乐谱上标出的速度是根本难以达到的，如车尔尼系列的练习曲，速度标记通常是极快的，一般专业老师都不容易达到，就更不能要求初学的学生按照这个标准去练习，只能作为教学的参考。
有些学生在听了钢琴家的演奏后，单纯的模仿他们的演奏速度，但由于技术能力达不到，把曲子弹得非常慌乱，可说是一塌糊涂。因此要告诫学生，在听名家的演奏或录音磁带时，不能只是单纯地模仿，重要的是从中体会演奏家对作品风格的表现、对音乐的处理，以进一步掌握其音乐性质和风格。另外，有些比较快速的乐曲，要在学生技术能力达到时再弹，如果弹奏速度过快，即使弹得没什么错误也是不合格的。
节奏不稳、速度不统一是学生在演奏中常出现的一种毛病。之所以产生这些问题，有技术上的原因，也有心理上、感觉上的原因。例如，有些学生弹到困难的地方就慢下来，弹到容易的地方又加快；而有时候一遇渐强就加快，一遇渐弱就放慢；弹激情的、快速的曲子越弹越赶，弹抒情性的、速度较慢的曲子就越弹越拖等等一系列问题。要克服这些毛病需从练琴方法上解决，难点部分要单独抽出来反复练习，直到弹的和较容易的部分一样好才可以。整首乐曲的速度要以难点部分所能达到的速度为标准来确定。
另外，弹奏快速的乐曲要以慢速、中速练习为基础。在声音清楚、节奏稳定的基础上再逐渐加快速度。当弹奏速度较慢的乐曲时，内心的感觉要积极，要有向前的、流动的感觉，这样就不会越弹越拖了。
在钢琴弹奏中不要平均地、单调地强调小节的重拍，这样会造成节奏机械、音乐凝滞、缺乏律动性。弹奏时一定要注意让学生按照乐句的气息走向、音乐走向去弹奏，而不要机械的只按小节弹奏。在这同时也要体现节拍固有的特点，例如：圆舞曲、进行曲要适当强调节拍重音，而弹奏旋律性乐句则要避免重音过多，以增强音乐的连贯性和律动感。
教会学生正确地使用节拍器，也是帮助学生掌握节奏、速度的好方法。但要注意：不是所有的乐曲都适合节拍器的。一般说来，当进行基础练习和弹奏练习曲时，使用节拍器可以使节奏平稳、速度统一、声音均匀。特别是当学生需要用不同的速度练习时，节拍器是必不可少的工具，弹奏鸣曲或复调作品时也可以适当运用一下节拍器。而有些抒情性、歌唱性较强的乐曲就只能用节拍器确定一下基本的速度，而不能自始至终都使用它。还有些乐曲速度变化较多，如汪立三的《兰花花》等，每个乐段在乐谱上都有不同的速度要求，只有使用节拍器才能找到正确的速度，才能把乐曲的性质表现出来。另外还要注意：使用节拍器也是有阶段性的，并不是整个练琴的过程中都适用节拍器，只有在学生能够比较流畅地弹奏时，节拍器才能更好地发挥作用。在教学中，更应着重注意的是培养学生发自内心的节奏感和速度感，这才是获得良好音乐的基础。
在钢琴教学中加强对学生音乐表现力的培养，应该说是钢琴教学中一个非常重要的问题，对初学者尤其如此。这关系到他们是否能养成一个良好的学习和体验音乐的习惯，影响着他们对音乐的兴趣和体验音乐的深度，甚至影响到他们的音乐生涯的发展。所以教师同行们应当认真加以研究，并积极实践之。本文只是对笔者平时钢琴演奏和教学实践中的点滴体会进行了总结，不足之处望读者提出宝贵意见。
转载自：
http://blog.renren.com/share/232355037/4321654951 作者：霍韦伊.
